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Lección de Anatomía de Nahuel Santiago

12 enero, 2019

por l0060127 con No hay comentarios 2018 Destacado Muestras de arte Yakuzi

Artista: Nahuel Santiago
Lugar: Casa Yakuzi – Rivadavia 3532 – Mar del Plata
Título de la muestra: Lección de Anatomía
Fecha: Diciembre de 2018

Dentro del interesante ciclo de muestras que viene organizando Casa Yakuzi, que recordamos cuenta con el apoyo de la Beca Creación del Fondo Nacional de las Artes, se presentó el proyecto «Lección de Anatomía» creado por Nahuel Santiago con la curaduría de Daniel Besoytaorube y la participación de Estefanía Mateo y de Andrea Germinario. La muestra tenía como particularidad proponer una experiencia íntima de participación con la obra de arte que había desarrollado el artista.

A la sala de exposiciones se ingresaba de manera individual con el objetivo de presenciar el trabajo en completa soledad. La espera en el ingreso a la muestra se convertía en una antesala en donde la expectativa ganaba en intensidad a medida que pasaba el tiempo ¿En qué consistía ? ¿Qué había que hacer allí adentro? Quienes salían de la sala luego de contemplar el trabajo reflejaban en su rostro distintas emociones desde el desconcierto hasta el asombro, era un ingrediente más para acelerar el estado de ansiedad de las personas que aguardaban en la fila por formar parte de aquella experiencia.

Cuando finalmente llegaba el turno para ingresar eramos recibidos por Estefanía Mateo quien nos explicaba que podíamos permanecer presenciando la obra el tiempo que necesitemos, no existía ninguna otra indicación. Subíamos los peldaños hasta el lugar donde estaba la sala de exposiciones y allí podíamos observar una mesa en la cual se encontraba un libro, un cuaderno de anotaciones, un lápiz, una lapicera, una lámpara con una luz dramática iluminado toda la escena y una silla donde poder sentarnos. Parecía como si ese lugar estuviese fuera del mundo. Estaba claro que sabíamos que estábamos en Casa Yakuzi, que a escasos metros se encontraba nuestra guía, que había otras personas aguardando para entrar; sin embargo la sensación de aislamiento en la cual nos encontrábamos producía una extrañeza, una lejanía como si en ese momento solo existiera para nosotros la «Lección de Anatomía».

Luego de un tiempo de incertidumbre decimos sentarnos y prestamos atención a un libro de tapa oscura que lleva por nombre «Ego» que contiene una historia escrita por Nahuel Santiago. Contemplarlo es una verdadera gozada visual para nuestra mente. Tiene un montaje especial en el cual encontramos abundantes espaciados textuales, diversos recursos tipográficos, tachaduras, dibujos, pinturas y páginas intervenidas. A su lado se encontraba un cuaderno que acompañaba el libro y que llevaba por nombre el sugestivo «Bitácora de mis recuerdos» el cual parecía contener una serie de anotaciones.

Luego de unos minutos en la intimidad de la sala era lícito preguntarnos ¿Y ahora que debemos hacer? Aunque el interrogante temerario por el cual apostaba el autor era otro ¿Que quieren hacer? Todo transcurría por lo indeterminado, por el azar en la participación del espectador, por no querer controlar el sentido de la obra. Lo más lógico podía ser tomar una lapicera y escribir algo en el cuaderno de memorias o simplemente bajar luego de finalizar la lectura. Pero también podríamos añadir un texto en el libro principal, modificar la historia, tachar palabras, arrancar una página o como el mismo Nahuel Santiago señaló de manera inquietante»destruir el libro».

Estábamos ante una obra abierta, disruptiva, rizomática, que permitía la participación del público no solamente para la construcción de la misma, sino también para alterar su sentido, para permitir múltiples respuestas y a la vez otorgarle un significado único a cada persona que la presenciaba.

Nobleza obliga a destacar también la hermosa pieza gráfica de la muestra con el texto de Andrea Germinario basado en el libro de Nahuel Santiago, la impresión en linóleo realizada por Florencia Reisz en Taller de Grabado Subsuelo y el diseño a cargo de Facundo Miranda.
«Lección de anatomía» es una propuesta destacada que apuesta por cuestionar, indagar y experimentar con diversos aspectos de la contemporaneidad como pueden ser el papel del público en el arte , el concepto de obra abierta, la apuesta por el azar y lo ambiguo en el resultado final y la multiplicidad de sentidos. El artista ante el desafío de transformarse en un simple instrumento que abre el juego para permitir la construcción final de la obra para dejarnos con más preguntas que respuestas.

Facundo Lugea y su elogio a la invisibilidad

12 noviembre, 2018

por l0060127 con No hay comentarios 2018 Destacado Muestras de arte Yakuzi

Artista: Facundo Lugea
Lugar: Casa Yakuzi – Rivadavia 3532 – Mar del Plata
Título de la muestra: Lo débil se mantiene
Fecha: Noviembre de 2018
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Facundo Lugea presenta en la Sala Todo de Casa Yakuzi una serie de objetos cotidianos sobre los cuales el artista ejerce determinadas acciones que terminan transformando su estado inicial ¿Cuál es el significado de esos elementos? ¿Qué tienen de valioso? «Lo débil se mantiene» es una muestra atravesada por varios interrogantes. Lo importante, lo destacado en las obras que contemplamos se encuentra en aquello que permanece invisible, porque los elementos que utiliza Lugea para componer son las fuerzas físicas, el tiempo y el espacio puestos en circulación para crear tensiones entre estos objetos y expresar con ellos una idea, un concepto, una búsqueda estética. Hay un relato mucho más profundo que está subsumido detrás de esas piezas exhibidas, las cuales se convierten en simples medios para transmitir una serie de interrogantes sobre lo visible y lo invisible, lo material y lo inmaterial, así como la forma en la cual nuestros sentidos perciben la existencia misma.

En los trabajos que vemos en la muestra hay ciertos contrapuntos, diálogos y juegos sumamente interesantes. Los objetos sufren una especie de modificación, pero no tanto en su aspecto o en su función propiamente dicha. Pasan a reconvertirse en nuevas entidades, terminan representando otros espacios, una simbiosis en la cual quedan fusionados ambos materiales. A veces son bloques de cemento que se fraguaron en cajas de cartón, en una tela o en un vaso de cristal transformando las dimensiones. También existen presiones físicas que confieren una elegancia en las torsiones o curvas que se exponen como el caso del mango de una cuchara doblado por un precinto de plástico o la hoja de un cuchillo tensionado por una bandita elástica. Podríamos encontrar asociaciones entre la naturaleza y un elemento inmaterial como las flores que se marchitan pinchadas por clavos en un panel. Hay imágenes muy poéticas como el vaso de vidrio con los cristales agrietados, producto de la presión que fue ejerciendo el cemento en su interior. Queda la sensación de estar detenido en el tiempo, como en una pausa, o más bien como si el estallido final fuese lentísimo y solo estuviéramos viendo un instante del mismo. De igual manera que la imagen de un tallo marchito seco de una flor sosteniendo una pesada cadena.
El Título de la muestra «Lo débil se mantiene» es muy sugerente y podríamos darles innumerables connotaciones desde aquellas metafísicas en donde asumimos que lo débil es un ente espiritual que siempre se mantiene a pesar de los cambios que sufre nuestro cuerpo o incluso hasta un proceso físico-químico en donde la materia luego de transformarse todavía conserva parte de su esencia.

En definitiva vemos que Facundo Lugea continúa expandiendo un lenguaje visual del cual pudimos apreciar algunos detalles en anteriores muestras individuales y colectivas, con un proceso en formación en el cual intenta brindar respuestas estéticas, conceptuales y poéticas para reflexionar sobre cuestiones ontológicas, como lo trascendente, lo inmaterial, la pérdida, lo irremediable, aquello que no puede describir con palabras. Porque en definitiva, como expresa el mismo artista en unas de sus obras: la única certeza de la existencia es su invisibilidad.

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La noche es suficiente, una muestra de Daniel Besoytaorube en el Museo MAR

20 octubre, 2018

por l0060127 con No hay comentarios 2018 Destacado Muestras de arte Museo MAR

«Tiempo presente y tiempo pasado
Están ambos quizá presentes en el tiempo futuro,
Y el tiempo futuro contenido en el tiempo pasado.
Si todo tiempo es eternamente presente
Todo tiempo es irredimible.»
(T.S. Eliot)

Luego de varios años sin realizar muestras individuales, Daniel «el Vasco» Besoytaorube presenta su última producción denominada «La noche es suficiente» en el Museo MAR de Arte Contemporáneo de Mar del Plata. Se trata cuatro telas de enormes proporciones creadas específicamente para la sala donde están expuestas. La primera impresión que causan al contemplarlas es un sentimiento de profundo misterio. Estamos como abrumados por su presencia, son poderosas, cautivadoras, por momentos extremadamente desmesuradas. Crean una atmósfera densa, como una niebla sugestiva que desata una perturbadora sensación de estar en medio de un estallido de formas, colores y tramas que empiezan a susurrar un mensaje inquietante. Lentamente, a medida que empezamos a sintonizar con ese universo enigmático que es la obra de Besoytaorube, una melodía empieza a traer una cierta incomodidad, porque esas telas son sinónimo de tragedias, representan una reflexión acerca de la muerte y la fragilidad del ser humano. El naufragio de un barco pesquero con toda su tripulación, una serie de filósofos que culminaron sus días de forma traumática, un diseñadora y una escritora que se suicidaron vencidas por sus demonios internos, un músico que llegó a la cumbre de su realización creativa con la angustia del fin de su vida acechando a su cuerpo.

Besoytaorube implanta para esta muestra un auténtico mecanismo transmedial, empleando diversos recursos visuales, narrativos y conceptuales a su disposición. Desde el continuo uso de referencias artísticas a otros autores provenientes de la música, el teatro, la literatura o el diseño hasta las asociaciones con las problemáticas locales por las cuales se muestra interesado, pasando por la utilización del lenguaje escrito y el uso de una secuencia de colores sobre los cuales ejerce variaciones en todas las telas. Sus composiciones se muestran anidadas, en donde un concepto o una idea parecen encastrar en otra, son rizomáticas y desconstructivas.

Las telas debido a su enormes tamaños fueron pintadas enteramente al aire libre con acrílico durante varios días. Ese proceso ejerce un efecto sobre el color y las texturas imprimiendo la acción del exterior como los cambios de temperatura o la exposición a la humedad. El patrón de colores de todos los trabajos sigue una estructura principal que está basada en los modelos de la diseñadora Kate Spade, un azul, un gris y un negro que Besoytaorube transforma en tonos apagados y desaturados, superponiendo diversos niveles de pintura, chorreaduras y transparencias para construir texturas que por momentos nos recuerdan la superficie del mar.

Una de las características atractivas de esta muestra es la intertextualidad y la apelación constante de la cita a diferentes expresiones artísticas, convirtiendo la narrativa en una experiencia expandida. En la pieza 4.48 tenemos una enorme tela de barco desgastada intervenida con tres franjas de colores derivados de los diseños de Kate Spade. Por otro lado el nombre de la obra de Besoytaorube vincula con la escritora inglesa Sarah Kane quien escribió un monólogo de teatro titulado Psicosis 4:48. Las dos artistas se suicidaron con elementos de su propia obra, Kate Spade se ahorcó con una bufanda de su propio diseño y Sarah Kane luego de terminar de escribir su texto teatral decidió quitarse la vida. Pero Besoytaorube añade una nueva capa que envuelve toda esta construcción presentando su interés real, que pasa por hacer visible el aumento de casos de suicidio en la ciudad de Mar del Plata dispersos en las crónicas de los diarios que el mismo artista registra por su cuenta.

En otros de los trabajos se hace mención al cuarteto de cuerdas Nro. 14 Opus 131 Attaca de Beethoven, pero lo referencia indirectamente a través de un extracto de un verso de los poemas «Los Cuatro Cuartetos» del escritor Eliot. Una vez más una caja encerrada dentro de otra caja. La composición que logra Daniel Besoytaorube es muy bella y eléctrica, las letras parecen flotar como separada de la superficie de la tela, mientras la pintura explota en llamas de colores a su alrededor.
Beethoven terminó el cuarteto opus 131 unos días antes de su muerte, sabía que estaba realizando uno de sus mejores trabajos pero también que el final de su vida se encontraba cerca, su ejecución es sumamente difícil por eso el Attaca que significa interpretarlo durante 40 minutos sin pausas.

Los restantes dos trabajos parecen conformar una unidad que podríamos enlazar con la fragilidad de la vida humana, la precariedad en la cual transitamos a diario sin darnos cuenta. En uno de los trabajos vemos los nombres de una secuencia de filósofos que enfrentaron un destino trágico, desde un accidente automovilístico hasta una fatalidad doméstica. Esta lista parece presentarnos un nuevo nivel de lectura, casi como una ironía desoladora mostrando a la filosofía como una herramienta ineficaz para buscar respuestas existenciales ante el desconcierto de la muerte que se burló con desprecio de hombres de una inteligencia superlativa.

La otra tela que también podríamos encuadrarla dentro de este ciclo y tiene un título que alude directamente a un hecho conocido en la ciudad, como es el naufragio del barco pesquero «El Repunte» que significó la muerte de diez personas. Esa tela además del nombre de la embarcación contiene una tabla de mareas con números grabados en la superficie, es una mención recurrente en las obras de Besoytaorube, y esto proviene de un empleo anterior que tuvo el artista donde debía estar pendiente de los cambios de las mareas. Esta composición es más austera y esquemática, con grandes bloques de colores superpuestos con predominancia de ocres y grises. Unas líneas gruesas atraviesan los bloques cruzando horizontalmente la tela. Con unos minutos de observación se va sintiendo una especie de desolación, una aridez que recuerda que el tiempo todavía no cerró algunas heridas.

«La noche es suficiente» es una muestra que interpela al espectador, que representa una reflexión acerca de la muerte misma, uno de los temas más esquivos, incómodos y desorientadores para la humanidad. Pero también permie hacer presente problemáticas locales de la ciudad de Mar del Plata y a la vez generar un ensayo poderoso para analizar y revalorizar al arte contemporáneo como herramienta de experimentación y de indagación sobre la realidad. Se trata de una obra que no es indiferente a nadie, que obliga a poner nuestros pensamientos en acción, en ampliarla, profundizarla. Significa también un pequeño esfuerzo, nos pone en movimiento, pero el recorrido vale la pena, permite coronar un paisaje espléndido que culmina en una obra de una belleza desgarradora tanto estética como formal, un latigazo en el cuerpo para despertarnos de la siesta de tranquilidad por la cual transitamos a diario. Celebramos el regreso del «Vasco» Besoytaorube, un artista visual que tiene mucho que decir y del cual aprendemos tanto en cada uno de sus apariciones.

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Todo cabe en una caja de Josefina Fossatti

4 junio, 2016

por l0060127 con No hay comentarios Destacado Muestras de arte Teatro Auditorium

El lugar de la imagen es el cuerpo, es el ser humano.
Hans Belting

Durante siglos las palabras tuvieron un predominio hegemónico sobre la comunicación y el pensamiento. En cierta ocasión el escritor Paul Valery destiló su ironía al pedir disculpas por tener que hablar sobre Pintura, para luego mofarse desde el egocentrismo lingüístico reafirmando «Todas las artes viven de palabras» ¿Es verdaderamente auténtica esta afirmación? ¿Cómo construye el público en su mente el significado de una obra artística?

La muestra «Todo cabe en una caja» de Josefina Fossatti es una apuesta alrededor de la (des) construcción del significado de las imágenes que a la vez dispara una exploración conceptual sobre la manera que los objetos artísticos se procesan en la mente de los receptores. Plantea una incertidumbre sobre los límites de la palabra para representar aquello que percibimos, pero desde una perspectiva en donde se intenta avanzar sobre el terreno de la duda.
Todo cabe en una caja es una profundización de la artista dentro de una línea de producción que tiene un largo recorrido en los últimos años, recordemos su anterior muestra Bildwissenschaf junto a Claudio Roveda en donde pudimos conocer un poco de su trabajo reciente.

En la serie de pinturas abstractas que presenta Fossatti desarrolla un detenido estudio del espacio con el propósito de subvertirlo, distorsionar sus proporciones, traspasar sus límites, involucrar la experiencia del espectador para posibilitar nuevas reinterpretaciones. Es un sendero por campos de colores que concentran nuestra mirada para conducir a un paisaje con formas dinámicas, impulsadas por una ilusión de profundidad generada por la arquitectura de líneas y planos geométricos. En un estudio conformado por 23 piezas en pequeño formato, que se encuentra en uno de los paneles, tenemos una especie de investigación visual que indaga en los procesos de creación visual como una síntesis de sus búsquedas estéticas. Si llegamos a mirar rápidamente hasta incluso podemos recrear una animación en donde aquellas imágenes estáticas se mueven agitadas por nuestra imaginación.

En algunas obras las palabras aparecen agazapadas entre la pintura esperando el momento preciso para brotar con furia como un géiser ardiente de significados que inmediatamente se descomponen en una secuencia de asociaciones mentales. Sin dudas esas frases trasmiten una andanada de posibles sensaciones. Es aquí cuando las palabras tan cotidianas en nuestra existencia pierden su materialidad puramente designativa para cumplir una función más amplia; no están subordinadas a representar un objeto, son el mismo objeto.

Josefina Fossatti también integra composiciones figurativas en la muestra, en ocasiones fragmentadas, con tonos acromáticos, a veces desdibujadas; no sería extraño pensarlas como salpicadas de una realidad que todavía está por completarse. Es imposible no detenerse unos minutos en la pintura que muestra un cordero maniatado por sus patas; es inquietante, algo incómoda y a la vez subyugante. Los planos geométricos destacando la cabeza y las patas del animal acentúan la tensión y la fuerza dramática de la imagen.

Después de recorrer la muestra empiezo a percibir una relación de cercanía entre las imágenes y las palabras, a fuerza de arriesgar siento que están condenadas a vivir juntas en el momento de disfrutar, interpretar y pensar ese objeto simbólico que entendemos como obra de arte. Josefina Fossatti sin dudas sigue avanzando en una línea de acción en donde el proceso de significación de las imágenes tiene un aspecto central sobre el cual gira gran parte de su obra.
Podría pedir disculpas como Paul Valery por hablar de pintura, sin embargo haré algo mejor, los invito a contemplar la muestra y a disfrutar de ese maravilloso acto que es mirar arte. El resto de las cosas, como esta reseña, son solo palabras que caben dentro de una caja, la misma que Josefina Fossatti afirma contiene el universo infinito de todas las palabras.

Todo cabe en una caja
Josefina Fossatti
Teatro Auditorium
mayo – junio 2016

Texto: Ariel Barrios
Registro Fotográfico: Natalia Müller

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Instalaciones de Gabriel Manzo y Eleonor Fittipaldi

27 mayo, 2016

por l0060127 con No hay comentarios Centro de Constructores Destacado Muestras de arte

«Tenemos que hacer una muestra juntos, Eleonor» Durante mucho tiempo Gabriel Manzo pensó en la posibilidad de presentar un proyecto artístico con su amiga Eleonor Fittipaldi, con quien compartió formación artística y docente en la Escuela de Artes Visuales Martín Malharro de Mar del Plata. Las distintas vicisitudes de la vida los llevó por caminos diferentes sin poder concretar esta posibilidad hasta muchos años después cuando la esperada reunión se hace posible con la muestra «Instalaciones» en la sala de exposiciones del Centro de Constructores y Anexos.

Cuando contemplamos el trabajo de Gabriel Manzo sentimos una ominosa presencia en aquellos dispositivos lúgubres con formas de discos metálicos de cuyo centro se yergue una punta afilada. Parecen destinadas para una tarea que inmediatamente asociamos con la violencia como si aquella sala fuera un laboratorio de experiencias marcadas por hechos negativos. La serie de objetos está acompañada por cuadros en grandes dimensiones en donde unas púas metálicas sobresalen sobre un campo construido con cientos de capas de líneas de pintura en tonos cálidos que evocan a la tierra. Descubrimos que estamos ante una versión de su «Macchina de Fango» un trabajo conceptual que comenzó a desarrollar en su paso por Cáceres en España y que está íntimamente relacionado con la descripción que hace Umberto Eco de los medios de comunicación convertidos en un sistema encargado de escupir inmundicia sobre diferentes personajes públicos para desprestigiar sus dichos con información falsa. De a poco vamos encontrando menos amenazadora a su obra. La Macchina de Fango en Manzo parece cumplir un papel más purificador, como si aquellas abyectas formas estuvieran pensadas para perforar las fétidas corrientes del engaño con sus astas absorbiendo en su interior toda la fetidez que encuentra en su paso, horadando el espacio más allá de las sucias profundidades para encontrar un terreno fértil que permite renacer las esperanzas como el surco de un arado que prepara la tierra para la nueva siembra.

Por su parte Eleonor Fittipaldi muestra una instalación compuesta de trompos blancos con diferentes dimensiones que permanecen suspendidos en el aire por cuerdas amarradas a una estructura de madera en forma de arco rectangular. La obra despliega una hermosa poesía visual de una dinámica que evoca un momento mágico cargado de inocencia que busca representar los azares de la existencia humana en forma lúdica. En aquellos trompos penden nuestros proyectos, los fracasos, aquellos anhelos a los cuales nos aferramos, todos giran a diferente velocidad y tamaño, algunos quedan estáticos en el suelo, sin energía, esperando ponerse nuevamente en movimiento por las manos que trasborden el futuro con la esperanza de volver a iniciar el juego de nuestros sueños.

La muestra de Gabriel Manzo y Eleonor Fittipaldi es una exploración por los terrenos del ser y el tiempo, presentes tanto en el proceso de creación de las obras de los artistas, los materiales que utilizan son cartapesta y pasta de papel los cuales demandan un largo proceso de elaboración, como también en sus búsquedas ontológicas sobre caminos farragosos que transitan con valentía, acercando preguntas inquietantes sobre el comportamiento del hombre y las fuerzas de voluntad que entran en colisión en una sociedad desbordada por la velocidad furiosa del instante que arrebata todo a su paso. Por eso, contemplar los giros de un trompo o dejarse seducir por las texturas descarnadas de una máquina del fango pueden garantizar un desafío para convocar la utopía del misterio en un mundo que solo se encarga
de escupir certezas.

Instalaciones
Gabriel Manzo y Eleonor Fittipaldi
Centro de Constructores y anexos
Desde el 6 hasta el 30 de mayo

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De la Tierra, una muestra de Luciana Colacci

19 mayo, 2016

por l0060127 con No hay comentarios Destacado Muestras de arte Velas de la Ballena

Substancial, atractiva y magnética. Así podríamos calificar a la muestra de Luciana Colacci denominada «De la Tierra» que puede visitarse en la sala de exposiciones de Velas de la Ballena hasta finales de mayo. La artista despliega una serie de composiciones abstractas sobre diferentes soportes como maderas, telas, metales, piedras, resinas y papeles que atraen inmediatamente nuestra atención, por momentos sentimos que aquellos objetos fueron intervenidos con elementos que brotaron de la superficie de la pared a través de alguna grieta para instalarse en la sala. Parecen provenir de una extraña colección en donde diferentes tramas, texturas y líneas diagraman formas terrestres como una huella fósil grabada sobre la superficie sólida.

En la obra de Luciana Colacci parece estar presente una tensión entre distintas fuerzas que entran en juego en sus materiales, también se presiente un inquietante intento de superación de la fragilidad, vemos cuerdas y ramas que se tensan ejerciendo presión en una demostración de solidez. Las líneas en las obras están para torcerse, para pensar nuevos espacios, conforman patrones o zonas luminosas que navegan hasta nuestra mente con una identidad renovada. Casi podríamos pensar en las obras como un ensamblaje de compuestos inorgánicos y orgánicos que a la vez son intervenidos con técnicas mixtas para conseguir un sistema armónico de piezas con distintas densidades. Los trazos grabados sobre las maderas o los metales ensayan una geometría que recuerda las nervaduras de las especies vegetales o los diseños de ciertos tejidos celulares. Parecen símbolos de un extraño registro espiritual de la naturaleza atrapados por una máquina fantástica que trasmite una voluptuosa energía condensada en una reconstrucción de formas terrestres.
También pienso en las obras como una composición por capas o más bien sustratos con distintos tonos y texturas, una disección limpia sobre una porción de alguna superficie geológica imaginada por la artista en la cual se arrastran todos los componentes de su territorio.

En definitiva la muestra de Luciana Colacci es una experiencia cautivadora que deja una sensación de tránsito por un sendero en donde la materia parece exhibir formas secretas que cuentan un relato sobre el poder, la capacidad de asombro y transformación de las formas de la naturaleza. Aquí podríamos pensar en una relación de arte de la tierra que trabaja con compuestos exhumados de sus entrañas, no es un organismo natural que habla de arte sino un sistema artificial artístico que poetiza sobre los elementos de la tierra.

Ignacio Mendía, el artista que quería ser poema

30 abril, 2016

por l0060127 con No hay comentarios Cocktail Galería Mutante Destacado La Torre de Villa Victoria Muestras de arte

“Poemeame, dale poemeame así” exclama Ignacio Mendía ante un auditorio que lo mira extasiado, es un aria sensual que impulsa a un grupo de personas a tomar fibrones y descargar una terrible energía escribiendo frases sobre los vidrios del bar La Guagua en la muestra del Cocktail#17. El “acto poético” que se desprende de la acción es un muro visual transparente que refleja las emociones colectivas del momento en una mezcla de caligrafías, palabras, colores y significados. El público pierde el miedo, se anima, cobra valor escuchando el sonido desacralizado que parte de la garganta de Mendía al filo de ¡Poemea!¡Poemea! Todos son poetas o brazos de un poeta prestidigitador que compone una obra coral desde un escenario.

Ignacio Mendía también bucea alrededor de la poesía expandida en su muestra «¿A que habré venido a este poema a esta hora?«que presentó en La Torre de Villa Victoria. Empleando diversas técnicas y medios expresivos como vídeos, instalaciones, performance y grabados, explora los límites de la poesía en una tensión entre la obra como objeto y como proceso que genera una desmaterialización del acto mismo de «poemear», como él describe a la acción poética»
En la performance que tuvo lugar durante la muestra en Villa Victoria, el poema se transforma en un sujeto, una entidad a la cual el artista interroga por su forma física con un diálogo íntimo y por momentos apasionado como dos amantes que inician una relación en donde comienzan a descubrirse mutuamente. Pero la relación con el poema también actúa como una huella que describe los fracasos, las angustias y los deseos del artista. Es un reflejo de su vida o podría argumentarse que es su propia vida. Durante la acción performática el público tiene una participación directa recitando poemas al azar que les entrega el artista mientras representa con su cuerpo el contenido de los mismos.

Además de explorar el terreno teatral Mendía también apela a diferentes métodos visuales de expresión. Mediante un laboratorio personal de impresión, compuesto por sellos tipográficos con letras en sus caras, graba diversos textos en tinta roja sobre papel blanco. La palabra poema es un fetiche que se despliega en todas las piezas, algunas son pequeños versos libres que por momentos salpican el absurdo para subvertir el «pathos» dramático que parece envolver al género literario como el texto «Me hago poema encima». En otras composiciones las palabras se comportan como capas superpuestas una sobre otra dejando manchones rojos de una expresiva carga pictórica. Tal vez uno de los trabajos más cercanos a la poesía como representación visual del espacio es la figura de un cometa o meteorito con su estela de luz compuesto por decenas de papeles recortados con la palabra «poema» impresa en una de sus caras. Una hermosa imagen metafórica pensando que los cometas son portadores de destrucción pero también de vida, una bola de fuego que es un sueño, una quimera, un fósil cósmico que trae un mensaje desde las profundidades del espacio.

Ignacio Mendía es un artista intenso, interdisciplinario, transmediático que produce una obra en apariencia sencilla, atractiva pero con una estructura sólida que invade el aire de interrogantes. Partiendo desde los bordes explora su mundo hasta alcanzar lentamente el abismo oscuro del centro, el cual esconde algo dormido que descansa en la profundidad de cada individuo. Como un director de climas sensoriales maneja todos los tiempos emocionales, sus trabajos por momentos desgarran, a veces salpican la ironía y en otras sacuden los escombros del corazón para dejarnos desnudos sin aliento. Lentamente comprobamos que asistimos a un proceso de metempsícosis por el cual el artista trasciende desde un plano de poeta para convertirse en poesía pura, tal como describe Jaime Gil de Viedma con hermosas palabras «Yo creía que quería ser poeta, pero en el fondo quería ser poema…»

Inaugurar con amigos, siempre es mejor: Le Putit Mansión enciende motores

9 abril, 2016

por l0060127 con No hay comentarios Destacado Muestras de arte

Siempre es un placer asistir a la inauguración de nuevos espacios dedicados al arte contemporáneo en la ciudad de Mar del Plata, en este caso toca el turno de «Le Putit Mansión» una propuesta impulsada por un grupo de jóvenes artistas que habían iniciado hace unos años una galería de arte joven como Le Putit , un escenario alternativo para expresiones artísticas que no tenían lugar en otro ámbito de la ciudad.
Ubicado en una zona céntrica a pocas cuadras de la Plaza Mitre, los chicos de Le Putit presentan una propuesta innovadora de un multi-espacio que forma parte de una tendencia que viene creciendo en el sector cultural marcado por alianzas entre diferentes emprendimientos artísticos. La Mansión está integrada por La Pequeña, una feria de moda alternativa, Rebecchi Estudio, un espacio para clínicas y producción de diseño de autor, Argel Tatto un estudio de tatuaje independiente y la galería de arte experimental Le Putit, todo dentro de un mismo lugar.

Cuando llego a la puerta de La Mansión me encuentro con un nutrido grupo de personas que celebra la llegada de esta nueva aventura entre festejos, charlas animadas, algún trago y miradas cómplices. Hay ruido, hay una vorágine de energía dispersa por todo el lugar.
Ingreso tímidamente a la Mansión, con miedo de interrumpir una armonía sagrada que parece fluir del interior. Me recibe una antesala que funciona como una trastienda donde se exhiben cuadros, dibujos, fotografías, textos, objetos y fanzines de diferentes artistas que participaron en ediciones anteriores de Le Putit Galerie. Traspasando una abertura llegamos a un amplio espacio en donde se encuentra el showroom de La Pequeña, una feria de indumentaria independiente con diseños exclusivos donde varios personas consultan la variedad de prendas que ofrece. Traspasando los límites de la feria nos encontramos con Rebecchi Estudio, un espacio coordinado por la artista Carla García Rebecchi pensado para explorar líneas de producción en diseño textil de autor que ofrece encuentros, clínicas, y talleres para artistas y todos aquellos interesados en un diseño que rompa los moldes de lo establecido.

Mientras observo algunos trabajos de Carla, me encuentro con Nahuel Agüero, uno de los directores de Le Putit que me dice ¿Viste el subsuelo? Indudablemente La Mansión reserva más sorpresas. Mientras descendemos por una escalera en espiral vamos teniendo una aproximación a una enorme sala que despierta todas las fantasías por las cosas que vendrán en ese lugar. Desembocamos en este espacio subterráneo que tiene toda la mística de la cultura underground escuchando los acordes de“Antoine et Sebastienne” En un reducto a nuestra izquierda surge el salón de Tatto de Pedro Argel, un área donde el arte se puede pinchar en tu piel para tener un diseño exclusivo en tu cuerpo. En el centro del subsuelo podemos observar un enorme papel desplegado ante un caballete, queda la sensación que se está cocinando algo en este lugar.

Algunos minutos más tarde desciende Ernesto Ballesteros para preparar su acción «con amigos es mejor» que abrirá oficialmente la nueva temporada de Le Putit. La sala comienza a colmarse de personas que rodean una mesa donde algunos artistas colaboran desgarrando lápices para encender un fuego amarillo en sus puntas. Una marea eléctrica de expectativas entra en juego con el paso de los minutos, se encienden algunas cámaras, todos buscan una buena posición para poder contemplar el escenario. Antoine et Sebastienne desgarra el silencio de la noche con una melodía que sale de las entrañas de unos discos, Ernesto Ballesteros entrega las últimas indicaciones y la tan esperada acción artística empieza a rodar por las pistas de Le Putit. Un grupo de ocho artistas encabezados por Daniel Basso, Adriana Sassali, Sergio Colavitta, Federico Domínguez Zacur, Mariana Pellejero, Leticia González y Juan José Souto van trazando líneas de color amarillo sobre un papel de dos metros de largo. El efecto que se aprecia es una especie de trance que deriva en una automatización del proceso creativo, pero cada trazo es distinto, aunque solo veamos rayas que parecen iguales tenemos en realidad una singularidad dentro de un acto colectivo como una hermosa metáfora de una comunidad que colabora en un proyecto dejando su identidad personal en el camino.

Las manos de los artistas aumentan la velocidad, el ruido de la fricción de los lápices crea una sinfonía en nuestros oídos, una aclamación del público junto con aplausos y silbidos de arenga transforman el marco de la acción en una auténtica escena de un espectáculo deportivo. Dos colaboradores siguen reparando los pinceles como técnicos en un boxes de formula 1 entregando los instrumentos de competición. Nahuel Agüero decide entrar en acción tomando el papel entre sus manos, alguien colabora desde el otro extremo. Comienza una fervorosa maniobra en donde elevando, inclinando y bajando el papel los artistas siguen trazando líneas en diferentes direcciones sorteando la adversidad del cambio de posición. Se acerca el final; lo advertimos con pesadumbre, queremos que esto siga hasta el infinito. Un coro de clamores y un aplauso encendido corona la acción en cuando esta llega su final.

Salgo de Le Putit con una enorme descarga de adrenalina circulando por las venas, que buena movida pienso y siento una conexión creativa que me invade el cuerpo, es un momento hermoso en donde salen varias ideas, como una borrachera visual. Tengo la certeza que esto recién empieza, en estas semanas se vienen un par de inauguraciones más y seguramente hay muchos espacios germinando en cabezas que no conozco. Es muy groso que esto pase en Mar del Plata, soplan vientos de autogestión en el terreno del arte y disfrutar momentos tan emocionantes con mis amigos, siempre es mejor.

Le Putit Mansión Mitre 2107
http://bit.ly/20pgxvn

La vida en rosa: por los caminos de El Virgen

9 marzo, 2016

por l0060127 con No hay comentarios Destacado Muestras de arte Mundo Dios

«Desde el día que te vi La vida para mi
Fue color de rosa
Y me siento tan feliz Que cualquier día gris
Es color de rosa»
Edith Piaff

El 29 de febrero me trasladé hasta el mítico espacio de Mundo Dios en el puerto de Mar del Plata para formar parte de un evento apasionante, me refiero por supuesto a la procesión que traslada El Virgen hasta su ermita ubicada en la paradisíaca playa Verde Muro en el sur de la ciudad. El Virgen es una obra artística muy particular iniciada por Juan José Souto el 29 de febrero de 2004, la misma conjuga una especie de culto de adoración que mezcla esencias paganas y populares concentradas alrededor de la figura de un santo que tiene el rostro del mismo artista, viste ropas rosas y ostenta atributos identificado con las playas y las costas de Mar del Plata. El trabajo en si tiene una complejidad estética que resulta sumamente interesante, en primer término pienso en su estado de proceso abierto, no tiene previsto un final por lo tanto es una obra que está en una permanente elaboración con una identidad que se consolida a lo largo del tiempo.

Los acólitos, feligreses, peregrinos o como quieren designar al grupo de hombres y mujeres que participan de la experiencia se agolparon alrededor de las cinco de la tarde en la esquina de 12 de octubre y la Avenida de los Trabajadores engalanados de rosa, desde pantalones, remeras hasta accesorios diversos con un gesto cómplice de hermandad. El Virgen contiene indudablemente un mensaje provocador apelando con ironía a ciertos valores que circulan en la sociedad, por ejemplo en los rituales plagados de erotismo que contrastan con el sacrificio, el dolor y la culpa que profesan las religiones dominantes, y por supuesto el color rosa que identifica a veces de manera peyorativa lo femenino, la comunidad gay, la sensibilidad romántica, lo kitsch, es un tono bastardeado que al estar presente en las vestimentas de un hombre con hábitos de santo causa un rictus ácido de incorrección.

La expectativa crece a medida que se acerca el momento de partir hacía la ruta del santuario, se evidencia una intensa algarabía, es el comienzo de un nuevo ciclo que se repite cada cuatro años. Se disparan un par de fotos para registrar el momento, hay sonrisas y una tensión espiritual que dinamita el aire distendido que reina en el lugar. Partimos desde el Puerto en el maravilloso 221, el colectivo con el circuito más hermoso que recorre toda la costa de Mar del Plata. Durante el trayecto Juan José Souto me cuenta la historia apócrifa de la creación de su obra «Cuando viajaba por las rutas en un camión veía la figura del Gauchito Gil en la ruta y pensé en hacer un santo con mi rostro para rezarle y pedirle cosas» Una frase resuena con intensidad en mi mente: «El Virgen sos vos»Empiezo a comprender la idea, el poder de los milagros está en cada persona. Pasaron doce años desde aquella primera procesión y los artistas de la ciudad se apropiaron de su figura en una especie de parodia de un culto religioso. El proyecto de Souto logró de esta manera trascender la esfera personal del artista para expandirse y multiplicarse con una marcada evolución producto de diferentes elementos que aportaron los seguidores enriqueciendo, reforzando y colaborando en el desarrollo de una cosmogonía envuelta dentro del mito fundacional de Mundo Dios.

El punto de destino donde descendemos del colectivo es la playa de Verde Muro, una reserva autogestionada por los vecinos del lugar, allí Souto nos conduce por un sendero cubierto de vegetación hacia un paisaje con médanos en donde la arena densa es testimonio de las huellas que los fieles dejan a su paso en el camino hacia un pequeño peñón en la punta de un barranco donde se puede divisar la ermita rosa que albergará el santuario destinado para El Virgen. Cuando arribamos al lugar se produce una especie de silencio que mezcla la admiración, la emoción y el respeto; aunque no logro procesarlo por completo me siento hermandado con el paisaje que tiene una vista fabulosa. A partir de entonces comienza el ritual por el cual se entregan ofrendas y exvotos elaborados por los seguidores como muestras de simpatía y devoción.

La ceremonia se completa con el encendido de velas rosas que cada uno hace ante la figura pidiendo por favores o agradeciendo por aquello que se concedió. Daniel Basso parte una de sus velas y la comparte conmigo, me inclino para encenderla, para mi hasta ese momento era una experiencia artística, pero debo confesar que al realizar ese acto simbólico se necesita la templanza de un témpano para no sentir una extraña sensación de paz que recorre todo el cuerpo hasta estremecer ese espacio por fuera de lo orgánico que podríamos denominar como espíritu, alma o ser interior. Con humildad solicité un favor para mi y para el resto de los artistas, también agradecí poder estar formando parte de ese momento.

Al finalizar la ceremonia quedan unos segundos para distenderse y contar historias azarosas de los milagros generados por el Virgen, surgen anécdotas graciosas y charlas mundanas que forman parte de lo esencial del hombre; reina una fiesta que exalta el amor, la alegría y el exceso de placer, porque la maquinaría que se pone en marcha es una reivindicación de la vida. Por las venas de los acólitos corre la pureza de una sangre rosa que mezcla gratitud con un eléctrico sentimiento de algarabía por compartir unos dones maravillosos, el poder de la creación y de la sensualidad.

Pablo Hansen, dos veranos

13 febrero, 2016

por l0060127 con No hay comentarios Casa de Madera Destacado Muestras de arte

Después de contemplar las obras de Pablo Hansen en su muestra «Dos Veranos» queda la sensación de estar frente a un artista que parece componer la estructura de sus trabajos como una melodía de Jazz, una base geométrica de una estructura formal y unos elementos armónicos, recortes de papeles con diferentes texturas, que funcionan como improvisaciones alrededor del tema central. Los múltiples detalles observables, pasando por los materiales, los tonos y las formas, crean un fenómeno de alteración de las coordenadas espaciales y de la percepción, en donde es posible identificar movimientos, alteraciones, ilusiones y rupturas en los distintos entramados que conforman las composiciones.

Algunos de los trabajos están conformados por pequeños paneles cubiertos con cientos de recortes de papeles superpuestos entre si, con distintas dimensiones, espesores y diseños que se van repitiendo a lo largo de todos los trabajos siguiendo un patrón compositivo, los mismos elementos pero con variaciones distintas, esa especie de improvisación jazziada de la cual hablábamos anteriormente. También se evidencia un juego con la textualidad, frases impresas provenientes de paquetes de Yerba recortados en trozos pequeños, mezclados al azar, combinados a modo de contrapunto con la simetría cromática del resto de los materiales.

En otras ocasiones los papeles siguen un trazado de líneas y diagonales entrecruzados que a la distancia recrean una alteración óptica que establecen relaciones de movimiento entre las tramas. Por momentos quedamos atrapados en una lógica de inestabilidad, un viaje alucinatorio por formas que ejercen una alteración en la obra, los papeles parecen ir zigzagueando hasta modificar su posición.

Hansen utiliza en algunos cuadros placas de fibrofácil perforadas que producen una separación de planos en el espacio interior de la obra, parecen estar en un estado de flotación, son como aberturas que van desnudando algunas zonas de los trabajos, cortinas de una geometría cruda que revela el escenario profundo de la obra.

Como una brisa suave que devuelve la sensación de un tiempo más cálido, la muestra de Hansen nos permite un tránsito por una agradable terreno visual que abona una geometría encargada de explorar un espacio construido a partir de pequeños fragmentos, con una extrema precisión en la composición y con un ritmo que se hace irresistible a nuestros sentidos. El verano siempre es para disfrutarlo y si es con arte mucho mejor.

Pablo Hansen «Dos Veranos»
Galería Casa de Madera Rawson 2250
Fotografías: Natalia Müller