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Autarquía Romántica de Estefanía Mateo

Estaba contemplando la obra Autarquía Romántica de Estefanía Mateo cuando escucho la conversación de dos mujeres. ¿Qué material será? le pregunta curiosa una de ellas a su compañera señalando el trabajo. Me acerco hasta donde se encuentran para comentarles que se trata de pintura sintética. ¿Pero sobre qué está pintado? vuelve a consultar una de las dos. Entonces intento explicarle que todo es pintura, que esa consistencia elástica que pueden apreciar se adquiere a través de proceso de secado por el cual la artista logra manipularla para después presentarla con esa forma. Miran nuevamente entre el asombro y la desconfianza, incluso una ensaya un movimiento impulsivo para tocarla.

Después de aquella conversación me quedo pensando más detenidamente en la obra. Entonces percibo que la acción de Estefanía Mateo convierte a la pintura en una triada en donde el continente, el medio expresivo y el contenido son la misma entidad.

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Autarquía Romántica es una propuesta  atractiva, cálida y a la vez  cumple una función de reflexión sobre los límites de la pintura en el arteTransformada en una sustancia sólida por la artista, la pintura permanece suspendida desde  una gruesa barra en lo alto de la cúpula del Foyer bajo del Teatro Auditorium como un cielo sintético de tonos saturados. El interior del material conserva una dinámica de trasmutación que se evidencia en las texturas, los grumos condensados y los efectos de las fricciones que desencadenan desgarros corrosivos. En los extremos se forman picos que se balancean en el aire hasta caer como  hojas secas sobre el piso de la sala en una tarde otoñal.

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El tiempo es el principal instrumento del cual se vale Estefanía Mateo para transformar la sustancia con la cual trabaja. La artista extrae el esmalte líquido como un taxidermista para formar diferentes capas que va acumulando y reservando en un proceso de secado que luego le permitirá construir diferentes prototipos artísticos. La pintura permanecerá adormecida en ese  cuerpo sólido durante un período que puede durar años. Estará quieta esperando el llamado para iniciar otro ciclo, donde pueda volver a fluir con la conciencia de una vida anterior que late con fuerza en su interior ¿Cuál es el límite de la pintura? Seguimos pensando, seguimos disfrutando de una búsqueda que nunca se termina.

Autarquía Romántica
Estefanía Mateo
Teatro Auditorium
junio-julio 2016

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Fuera de campo, una muestra del arte contemporáneo que transita por Necochea

Desde hace por lo menos 10 años se evidencia una corriente de artistas contemporáneos que vienen trabajando intensamente en la  ciudad de Necochea, participando activamente en un corredor que incluye centros de producción artística como Bahía Blanca y Mar del Plata en un fecundo intercambio de prácticas y experiencias que incluso llegaron a tornarse visibles en el circuito de Buenos Aires. También podemos mencionar propuestas sumamente interesantes dentro del arte contemporáneo que tuvieron lugar en los últimos tiempos en Necochea como El Centro Cultural de Noche, un evento anual que convoca distintas propuestas artísticas durante una jornada o La Quinta Pata un espacio autogestionado por los artistas de corte experimental con muestras y programas de perfeccionamiento apoyados por el Fondo Nacional de las Artes. Por eso creo que fue un gran acierto, por parte de la gestión de artes visuales del Teatro Auditorium, destinar la sala principal de exposiciones del Foyer para presentar la muestra  «Fuera de Campo» que reúne a un grupo de jóvenes referentes del arte contemporáneo de Necochea integrado por Alejandra Viglio, Carlos Segovia, Natalia Di Marco, Diego Conti, Manuela García, Maite López Poulsen y Adriana Rodríguez Giansetto.

Alejandra Viglio exhibe «Ensayos para evitar la disolución» que conforma  una serie de objetos en yeso, parafina, tierra y polvo de piedras. Cuando se contempla estos elementos se apodera una extraña sensación de suspensión, como si alguien hubiese detenido un proceso de metamorfosis material, en algunos casos los objetos parecen ligados a lo transitorio, como símbolos de una acción que sacrificaba la integridad de su masa para mostrarnos una parte esencial de un mecanismo de supervivencia, un amuleto que recuerda un momento íntimo.

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Adriana Rodríguez Giansetto presenta «Kit existencial», un conjunto de dibujos donde observamos por una lado un conjunto de láminas que reproducen tapas de libros puestos en relación con otras imágenes que actúan como asociaciones simbólicas o síntesis visuales de los textos. Los trabajos adquieren la forma de un estudio personal, un mecanismo de registro de las búsquedas existenciales de la artista a través de sus lecturas de autores como Antonin Artaud o Jean Baudrillard.  Por otro lado Adriana Rodríguez Giansetto también plasma una serie de dibujos sobre hojas sueltas de los tradicionales cuardernos Rivadavia que se utilizan en los colegios, son composiciones geométricas abstractas sencillas que surgen como sombras que parecen brotar del papel.

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Diego Conti muestras dos grandes acrílicos titulados «fin de la seca» y «parte del artificio» Las imágenes transitan sobre el terreno del extrañamiento con  paisajes colmados de elementos fantásticos propios de los mundos surrealistas. Las escenas en las pinturas transcurren en una especie de limbo espacial donde siempre es posible contemplar un cielo con nubes donde transcurren circunstancias de ensueño en un entramado donde la geometría conforma un importante elemento de costura entre el devenir de la realidad y el universo onírico del inconsciente.

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Maite López Poulsen presenta su pieza audiovisual denominada «Arena en situación» conformada por una serie de insert de imágenes y audios en donde el tiempo parece fracturarse en las aceleraciones y retrocesos de una cámara vertiginosa que reserva zonas desenfocadas en donde transcurre una acción mínima que parece estar reservada al mecanismo de un recuerdo que surge desordenado con lugares nítidos y otros borrosos.

Natalia Di Marco presenta un vídeo de su serie Nocturnas, el cual es un inquietante registro donde una figura difusa brota de las penumbras de una noche con perturbadores climas atmosféricos. Un resplandor intermitente que se proyecta sobre la escena fragmenta y descompone una  forma que parece mutar hasta perder su identidad original. Por más que intentemos mirar la secuencia, una y otra vez para descubrir cual es el origen del objeto representado, este se esconde en un paisaje cargado de un profundo misterio. La obra escarba  sobre las grietas de la realidad observable, con una molestia que deriva en un planteamiento ontológico sobre la  identidad de los fenómenos que percibimos ¿Cuál es el engaño y cuál la certeza?

Manuela García nos acerca su proyecto  denominado «Siete bodas y un funeral» conformado por fotografías que indagan las vinculaciones del ser humano con la naturaleza apelando a la parodia. El cuerpo de un gorrión conforma la escena de un relato policial, un mujer mayor desnuda como una Eva cubierta con hojas, el cabello de una mujer transformado en tentáculos de calamar. Son algunos ejemplos donde la mirada parece morder ciertas asperezas relacionado con la artificialidad de la naturaleza con una subversión cargada de ironía.

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Carlos Segovia trae a esta muestra colectiva dos obras que forman parte de su serie «Ensayos para la construcción de un mito” conformado por un relato mitológico sobre el origen del mundo en donde las costas permanecían en un estado primitivo.  Una de sus obras es una pintura en acrílico titulada «Jade» en donde podemos contemplar unas formas geométricas  que parecen extrañas torres de cristal emergiendo del mar. La imagen cargada de una singular belleza navega sobre un mar que parece encenderse con una luz carmesí que otorga a la escena un dramatismo romántico. Carlos Segovia complementa la muestra con una escultura denominada «Trampa» compuesta por boyas de pesca, cadenas, hierro y plomo. Todos los materiales que la conforman son conocidos, pero existe una extraña sensación de inquietud al contemplar, esa mezcla de fascinación que a veces sentimos por objetos que parecen destinados a una tarea destructiva; nos atrapa su presencia y a la vez nos repele su aparente función.

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«Fuera de campo» es una interesante experiencia para conocer algunos referentes del arte contemporáneo de Necochea y  a la vez conforma una oportunidad de seguir indagando en este circuito para ampliar los nombres, las propuestas y los proyectos que circulan por esta localidad. Esperemos que esta reseña sirva como una acercamiento a la difusión de sus trabajos.

Fuera de campo
Alejandra Viglio, Carlos Segovia, Natalia Di Marco, Diego Conti, Manuela García, Maite López Poulsen y Adriana Rodríguez Giansetto.
Teatro Auditorium – Mar del Plata
Junio-julio 2016

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Lado B de Guillermina Espasandin

En la muestra Lado B de Guillermina Espasandin asistimos a una representación visual del sonido caracterizado por su (no) presencia y utilizo esta frase, con la negación entre paréntesis, para diferenciarlo de un estado más determinante como puede ser su completa ausencia, porque a pesar de no escuchar melodía alguna en la sala  podemos contemplar los trazos de frecuencias sonoras dibujadas con marcador sobre la superficie de un vidrio, esas modulaciones están en un estado de suspensión, son signos que parecen pertenecer a una extraña abstracción melódica esperando ser ejecutada o tal vez forman parte de un episodio inconcluso, un registro que se perdió en el tiempo. Indudablemente la música tiene esa paradoja, cuando se interpreta es pasado, aquello que escuchamos viene con un retardo temporal hasta nuestros oídos. Por lo tanto esas ondas suspendidas en imágenes que se propalan por el espacio son la propiedad física del sonido, su registro visual y su soporte existencial.

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Cuando caminamos por el pasillo del Paseo de la Imagen contemplamos un arco de texturas amplificadas por toda la sala, sentimos una auténtica inmersión cromática que varía sus intensidades reflejando texturas geométricas que llegan como una especie de eco visual; comenzamos a sospechar que los límites del espacio están desbordados ¿Cuál es la obra original y cual su proyección? Los diagramas sonoros se multiplican por el espacio, se reflejan en las paredes y en los cuerpos del público que presencia la obra, como apropiándose de todos los rincones posibles para duplicar los fragmentos, para transportarse fuera del espacio en el cual parecen estar contenidos. Luego de formar parte de ese calidoscopio visual uno sale de la muestra con la certeza de escuchar algo que proviene de ninguna parte ¿Es un fragmento de música, un mero ruido, un ritmo? Entonces comprendemos que el sonido se ha vuelto luz y que a partir de ahora caminará entre nosotros asociado a unos líneas que Guillermina Espasandin transporto en nuestro interior.

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Lado B
Guillermina Espasandin
Paseo de la Imagen – Teatro Auditorium
Texto: Ariel Barrios
Registro Fotográfico: Natalia Müller

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Todo cabe en una caja de Josefina Fossatti

El lugar de la imagen es el cuerpo, es el ser humano.
Hans Belting

Durante siglos las palabras tuvieron un predominio hegemónico sobre la comunicación y el pensamiento. En cierta ocasión el escritor Paul Valery  destiló su ironía al pedir disculpas  por tener que hablar sobre Pintura, para luego mofarse desde el  egocentrismo lingüístico reafirmando «Todas las artes viven de palabras» ¿Es verdaderamente auténtica esta afirmación? ¿Cómo construye el público en su mente el significado de una obra artística?

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La muestra «Todo cabe en una caja» de Josefina Fossatti es una apuesta  alrededor de la (des) construcción del significado de las imágenes que a la vez dispara una exploración conceptual sobre la manera que los objetos artísticos se procesan en la mente de los receptores. Plantea una incertidumbre sobre los límites de la palabra para representar aquello que percibimos, pero desde una perspectiva en donde se intenta avanzar sobre el terreno de la duda.
Todo cabe en una caja es una profundización de la artista dentro de una línea de producción que tiene un largo recorrido en los últimos años, recordemos su anterior muestra Bildwissenschaf junto a Claudio Roveda en donde pudimos conocer un poco de su trabajo reciente.

En la serie de pinturas abstractas que presenta Fossatti desarrolla un detenido estudio del espacio con el propósito de subvertirlo, distorsionar sus proporciones, traspasar sus límites, involucrar la experiencia del espectador para posibilitar nuevas reinterpretaciones. Es un sendero por campos de colores que concentran nuestra mirada para conducir a un paisaje con formas  dinámicas, impulsadas por una ilusión de profundidad  generada por la arquitectura de líneas y planos geométricos. En un estudio conformado por 23 piezas en pequeño formato, que se encuentra en uno de los paneles, tenemos una especie de  investigación visual que indaga en los procesos de creación visual como una síntesis de sus búsquedas estéticas. Si llegamos a mirar rápidamente hasta incluso podemos recrear una animación en donde aquellas imágenes estáticas se mueven agitadas por nuestra imaginación.

En algunas obras las palabras aparecen agazapadas entre la pintura esperando el momento preciso para brotar  con furia  como un géiser ardiente de significados que inmediatamente se descomponen en una secuencia de asociaciones mentales. Sin dudas esas frases trasmiten una andanada de posibles sensaciones. Es aquí cuando las palabras tan cotidianas en nuestra existencia pierden su materialidad puramente designativa para cumplir una función más amplia; no están subordinadas a representar un objeto, son el mismo objeto.

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Josefina Fossatti también integra composiciones figurativas en la muestra, en ocasiones fragmentadas, con tonos acromáticos, a veces desdibujadas;  no sería extraño pensarlas como salpicadas de una realidad que todavía está por completarse. Es imposible no detenerse unos minutos en la pintura que muestra  un cordero maniatado por sus patas; es inquietante, algo incómoda y a la vez subyugante. Los planos geométricos destacando la cabeza y las patas del animal acentúan la tensión y la fuerza dramática de la imagen.

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Después de recorrer la muestra empiezo a percibir  una relación de cercanía entre las imágenes y las palabras, a fuerza de arriesgar siento que están condenadas a vivir juntas en el momento de disfrutar, interpretar y pensar ese objeto simbólico que entendemos como obra de arte.  Josefina Fossatti sin dudas sigue avanzando en una línea de acción en donde el proceso de significación de las imágenes  tiene un aspecto central sobre el cual gira gran parte de su obra.
Podría pedir disculpas como Paul Valery por hablar de pintura, sin embargo haré algo mejor, los invito a contemplar la muestra y a disfrutar de ese maravilloso acto que es mirar arte. El resto de las cosas, como esta reseña, son solo palabras que caben dentro de una caja, la misma que Josefina Fossatti afirma contiene el universo infinito de todas las palabras.

Todo cabe en una caja
Josefina Fossatti
Teatro Auditorium
mayo – junio 2016

Texto: Ariel Barrios
Registro Fotográfico: Natalia Müller

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Galería Poder: una manera de liberar la belleza de las ataduras de las formas

Luego de inaugurar La Mansión, Nahuel Agüero, Oscar Cruz, Pedro Argel y compañía inician un nuevo proyecto que tienen lugar con la muestra Galería Poder en el Teatro Auditorium, una especie de Lado B  de Le Putit Galerie como ellos mismos denominan al conjunto de trabajos que reúnen rarezas, materiales en crudo, piezas cercanas a lo marginal, en definitiva un bonus track estético que se permite algunos descuidos, un despojamiento de recursos y una frescura en su presentación.

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Sin dudas el montaje es una de las características destacadas de la muestra, su estructura a veces caótica, abigarrada de elementos es cautivadora, te atrapa inmediatamente, cada rincón es aprovechado para desplegar la propuesta compositiva, algunos cuadros permanecen en el piso sin colgar, otros trabajos se apoderan de las caras de las columnas o de pequeñas puertas para armarios del sector de mantenimiento. La presentación tiene una terrible fuerza visual, a veces hay que detenerse para contemplar un pequeño detalle, en ocasiones nuestros sentidos reciben certeros cachetazos a lo previsible, es un raíl descontrolado lleno de emociones. La apuesta de colocar todos los trabajos con referencias numéricas sin los nombres, un recurso visto en «La Cabida Eterna», entrega todo el protagonismo a la colección, una especie de colmena donde los artistas forman parte de un sistema de identidad colectiva.

Las formas expresivas son heterogéneas tanto en los materiales como en sus lenguajes, con un predominio de la pintura y el dibujo, pero con una presencia de fotografías y esculturas entre las propuestas que se distribuyen por los pasillos del Paseo de la Imagen. Con una influencia cercana a la corriente artística de la «Bad Painting» la muestra de Galería Poder surfea por detalles simples, triviales, bizarros, bordea el mal gusto de manera provocadora como desafiando el cotilleo purista y académico. En todos esos registros que vemos dispersos por la sala los límites de la belleza se amplían, como una reivindicación hacía un hacer desistenresado, inacabado, despojado que en definitiva conforma también una parte esencial del arte.

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Poder es la capacidad de mostrar en una diversidad de miradas libres la otra cara de la moneda que no es la perfecta y que por supuesto no busca serlo, es un dialogo íntimo con obras que fueron producto de un momento distendido. La genialidad de hacer unas simples líneas en un papel y colgarlo de una pared ¿Es esto una expresión de arte contemporáneo? Francamente no lo sé, pero la belleza prístina conmueve y ahí deberíamos buscar las respuestas. Definitivamente el poder está en liberar nuestras emociones de los prejuicios de las formas.

Galería Poder / Le Putit Galerie
Teatro Auditorium – Paseo de la Imagen
Mayo 2016
Artistas: Belén Gioffre, Marquitos Sanabria, Violeta Rosello, Juan Vegetal, Gina Torchia, Zoe Trilnick Farji, Danilo Cicive, Danita Barboza, Santiago José Ruau, Felipe Reynoso, Pedro Argel, Facundo Lugea, Oscar Mauro Agustin Cruz, Nahuel Agüero, Iñaki, Seba Acampante, Alejandra Pospi, Jorge Areta, Zeto Genesis, Orco Julian Pedro, Constanza Marchini, Gaston Alejandro Delego, Franco Nicolás Cajal